Nacido el 28 de agosto de 1962 en Draguignan Graduado de Penninghen El tema del epicentro es un punto neurálgico en el trabajo de Nicolas d'Olce. El epicentro es un generador de proyectiles cuyas formas reconfiguradas se convierten en vestigios imaginarios, la memoria de una deflagración creada de la nada, un paradoja artística entre el temor a una destrucción y la excitación de una construcción edificada sobre misteriosos fragmentos. En el centro de su taller, los escombros dispuestos como objetos son eso que queda. Llevan una tensión constante y son accidentes atrapados en la carne de la materia. Yeso, madera, carbón, plexiglás y goma, Nicolas d’Olce acumula los medios en un vasto proyecto donde el tiempo finalmente otorga existencia al material. Todo parece erosionado y degradado en una sublimación gráfica donde cada línea, cada punto, cada destello acumulado sobre las formas crea una tipografía abstracta grabada en la masa. El negro absorbe, nos atrapa. En los paneles de plexiglás de la instalación "La trama del mundo", es espacial y helado. En su espesor petrolífero, la sierra circular y las brocas de las máquinas eléctricas han dibujado el plan gigantesco de una red infinitamente pequeña: una sucesión de incisiones brutales y quirúrgicas de un azul digital. Nicolas d’Olce ha realizado esta cartografía como una pantalla sobredimensionada, casi digital. Se siente una saturación, incluso una ruptura; la marca evidente de su colaboración con científicos del INSERM, esa misma institución para la cual realizó en un tríptico el recorrido fantástico de una partícula nanométrica en la inmensidad de un cerebro en pleno caos. Quizás ya no se trate de pintura... lo que explicaría que haya desarrollado progresivamente su trabajo con artesanos excepcionales, dándose así la oportunidad de abrirse a nuevos campos de experimentación. Con ocasión de la realización de una obra monumental en vidrio grabado para la casa Guerlain, trabajó en los talleres del maestro vidriero Bernard Pictet y más recientemente con el ceramista Jean-Marie Foubert en la Tuilerie de Treigny para crear una obra exterior, a petición de un coleccionista. En la continuidad de sus investigaciones sobre la materia y sus incesantes transformaciones, Nicolas d’Olce despliega su trabajo en el doble campo de la abstracción y el formalismo. Así, en las series de cuadros tituladas "Fuga" y "Zona", es el color el que se convierte en el centro de un evento. Se expande en inmensas velas flotantes y monocromas gracias a un principio artesanal de impresión y luego de transferencia elaborado por el artista. De hecho, admite tener una admiración por el Color field painting y una atracción por el minimalismo. Pero ahí, frente a estas obras plastificadas, hechas de microfibras de vidrio y resina acrílica, de tintas y pigmentos proyectados en yeso, estamos lejos de la calma. Para algunas, su textura es resbaladiza y translúcida; se cruzan sifones fibrados en los que la mirada se escapa. Para otras, concebidas como territorios quemados, se respira, más allá de sus fronteras, el olor del carbono, de los ácidos y del azufre. Estas extensiones de materia están suspendidas; dermis congeladas o corazas químicas, nos devuelven a las derivas de nuestro mundo... Jimi Hendrix
Elisabeth Mironenko-Blankoff, nacida en París en 1992, es una artista francesa de origen ruso-ucraniano. Su trabajo explora los cruces entre lo real, lo imaginario y lo sagrado, interrogando las percepciones del tiempo y del espacio. Se aventura en construcciones ocultas y entrelazadas, tejiendo vínculos entre la identidad personal y las influencias culturales. Su reflexión se inscribe en la problemática de una confusión entre creencia y realidad, es decir, sobre las mitologías ineludibles que fabricamos sobre nosotros mismos y sobre los demás. La Historia y la Memoria, indisolubles de sus relatos y de las historias personales, son tanto el punto de partida como el punto final de su trabajo. Busca devolver a lo real su dimensión ficcional, y a las ficciones su dimensión real. Se trata de remontar a un punto de interrogación donde otra lectura de los signos es posible y donde el espacio-tiempo es manipulado libremente. Estas imágenes traídas al mundo remiten a recuerdos, experiencias vividas o fantaseadas, como un éxodo interior. Intenta una reconstrucción de la diversidad pluri-cultural de la que proviene, mientras opera distinciones aun cuando no puede limitar su identidad a fronteras estrictas. La permeabilidad de los mundos se revela entonces, incluso allí donde parece solo haber otredad. Así, la cuestión del viaje, en el sentido de confrontación con civilizaciones, de documentación textual y visual y de encuentro humano, es primordial en su trabajo. Su memoria está habitada: frescos, ruinas, íconos, iluminaciones, textiles, objetos, motivos, músicas, texturas, colores, vibraciones, caligrafía, signos, símbolos y lenguajes, arquitectura e imaginería antigua y medieval. ENFOQUE PLÁSTICO Manipula la materia a través de experimentaciones evolutivas que imitan el paso del tiempo; su proceso de creación deja espacio a la espontaneidad, al desapego, al azar, al reinicio, a la aparición, al arrepentimiento, a la eliminación total o parcial, al palimpsesto, a la reacción química, e incluso a la destrucción. Pero esta toma de libertad se articula con un dominio técnico controlado, buscando precisamente ese equilibrio donde forma y contenido son indisolubles. Entre los numerosos medios practicados a lo largo de su vida, Elisabeth ha elegido en los últimos años profundizar en la pintura al óleo, los pigmentos naturales y el estuco de cal. La cuestión del soporte ha tomado un lugar preponderante para jugar con la materia – plexiglás, madera recubierta, lienzo tratado, yeso – y a menudo se fabrica o vierte a medida, como el yeso de moldear. En sus pinturas, el espectador es testigo del paso del tiempo, de las capas del pasado así como de la transmisión de sus creencias y orígenes familiares. Estas raíces son variadas, inestables, eclécticas e incluso paradójicas, y es este sincretismo lo que le da a Elisabeth la necesidad de reconciliarlas. RECORRIDO E INFLUENCIAS Elisabeth es graduada de la Escuela Nacional Superior de Artes Aplicadas y Oficios de Arte (ENSAAMA Olivier-de-Serres) de París. Después de seguir el curso de Diseño Gráfico en medios impresos y publicidad, se orientó hacia un Máster en Dirección Artística especializado en medios digitales. Ha vivido y trabajado en París, Perú, Israel y Occitania. Recibió su último diploma en 2022 en la Escuela Europea del Arte y de los Materiales de Albi, en la Especialidad en Decoración Mural (revestimientos naturales: arcilla, cal, yeso). Hija del artista conceptual ruso Vladimir Mironenko, de origen ruso y cosaco, y de Raïssa Blankoff, periodista y productora en Radio Francia, nieta del profesor belga Jean Blankoff, Doctor en Filología e Historia eslava, y de la profesora estadounidense Goldie Scarr, de origen ucraniano; Elisabeth habla cinco idiomas y escribe en tres alfabetos. Imbuida por el universo de sus abuelos, cuya casa en Bruselas está salpicada de obras y objetos antiguos de Asia Central, Occidental y Rusa, pero también influenciada desde la infancia por las vanguardias del arte conceptual de la ex-URSS de las que su padre forma parte, añade un interés personal por el arte llamado naïf, singular o modesto. Su trabajo se acompaña incesantemente de diversas experimentaciones técnicas, con el objetivo de liberar el trazo e incluso perder el control sobre los logros. Esta filosofía se une a su deseo de transmitir y enseñar, especialmente a los niños. Elisabeth fundó en septiembre de 2017 el Taller Matis, en Occitania, un espacio dedicado a la enseñanza de las artes visuales a niños, adolescentes y adultos en forma de cursos regulares y talleres. Este taller permite iniciarse de manera lúdica y contemporánea en una variedad de técnicas relacionadas con las artes visuales y oficios de arte. La creatividad y la experimentación son fomentadas a través de talleres de pintura, dibujo, fotografía, mosaico, grabado, encuadernación-edición, enmarcado, tipografía, collage, diseño gráfico, etc. « Me gusta jugar con la ambigüedad en mi trabajo, abordando a veces temas serios de manera inesperada, infantil, naïf, onírica, relajada, decadente, e incluso provocadora. »
Valentine Reinhardt es una artista multidisciplinaria. Después de estudiar en la escuela de Artes Gráficas Penninghen en París, fue premiada por el Club de Directores Artísticos y nominada a los D&AD Awards por sus videos realizados para el artista Sébastien Tellier. El universo de Valentine se destaca por su estilo gráfico, sus colores intensos y su onirismo. Le gusta transformar, desviar, jugar con los códigos con humor y poesía para dar vida a imágenes singulares. Su búsqueda de belleza la impulsa a reinventar el mundo que la rodea sublimando la realidad. A través de sus composiciones y colores, sus imágenes evocan a menudo el universo de la pintura surrealista. Su trabajo se articula en torno a la pintura, la fotografía y el video. Valentine ha colaborado con marcas como Nike, Sfr, Apple, Instagram, y con artistas como Youngr, Gesaffelstein y The Weeknd. Presenta su primera exposición personal titulada « Vanités » en París en 2023, y en Ginebra en 2024. « Arcane » marca su segunda exposición personal, presentada en Londres en 2025.
Pablo Gosselin (Ruan, 1986) se interesa por las fluctuaciones de la materia, por sus brotes, por sus pérdidas, por sus devenires desconocidos. Observa las huellas abstractas dejadas en su entorno, luego extrae y materializa algunos de estos elementos a través del encuadre y el encofrado. Sus esculturas buscan una poética de la materia: a veces geométricas, a veces atmosféricas, intenta materializar los flujos de lo vivo (paso del agua, paso del fuego, pasos de animales, pasos de hombres) antes de que se desvanezcan para cambiar progresivamente de forma. También se interesa por lo que generalmente se dice de los fracasos, de los desechos, de los residuos: una mancha de aceite de motor que se cubre con aserrín (T de Silo), una cacerola de arroz demasiado cocido que se sella (Montón de arroz), una granalla fallida que se aplasta violentamente contra el suelo, dejando impactos poéticos (82PB). De estos desechos, hace nacer nuevas formas, busca mostrar su potencialidad. Sus objetos oscilan entre la pérdida de un estado material y el nacimiento de una nueva forma, la melancolía de las ruinas y la exaltación de lo que está por venir.
Nacida en Lyon en 1995, Audrey Bertoia estudió diseño gráfico en la Escuela de Bellas Artes de Rennes. Hoy vive en Biarritz, donde ha instalado su taller. Desde que obtuvo su diploma (DNSEP) en 2020, ancla su práctica en la pintura al óleo, mientras navega entre el arte y el diseño, explorando sin cesar otros medios como el textil, la cerámica, la ilustración o el fresco. Su exploración pictórica la ha llevado a elaborar una pintura que mezcla realidad y ficción, dando vida a escenas vibrantes y enigmáticas. Rozando el surrealismo, sus composiciones figurativas, impregnadas de colores intensos, interrogan la experiencia humana y su relación con la naturaleza, la música y la poesía. A través de la luz y el color, da forma a imágenes sensibles donde lo real se tiñe de extrañeza, abriendo un espacio de contemplación y evasión.